Nos introducimos en la última semana del mes de Septiembre, y por tanto la última entrada de Inspiración cinematográfica del mes. La semana pasada tuvimos como “acompañantes” en nuestros artículos a Bernardo Bertoluci y Vittorio Storaro como maestros de ceremonias de El Último Emperador. Film, en el que repasábamos uno de los usos más sublimes del color en el cine.
Esta semana, pretendo acercaros un final épico a la sección de este mes con el análisis de Gangs of New York. Repetimos director de los ya analizados, Martin Scorsese, pero para que os deis cuenta la buenísima adaptación que tiene un director a las diferentes facetas que se le presentan. En el apartado de la iluminación, nos encontramos ante el alemán Michael Ballhaus, que muchos lo conoceréis por ser el director de fotografía de la mítica Dracula de Coppola.
La película nos traslada a la gran Manzana en el año 1846, y justamente unos años antes del crecimiento de la ciudad de New York. En estos años mientras el pais estadounidense se encontraba inmerso en una guerra civil, la ciudad neoyorkina se debatía también en sus propias guerras lideradas por bandas de todo tipo (saqueadores, ladrones, asesinos etc…) Y justamente una de estas batallas internas de la ciudad es la que se nos cuenta, en la cual Amsterdam (Leonardo Dicaprio) tras ser encerrado en un orfanato vuelve a las calles de Five Points para vengar la muerte de su padre, y líder de la banda los “Conejos Muertos”, años atrás a manos de Bill Cutting “El Carnicero”(Daniel Day-Lewis) y jefe de la banda de los “Nativos”.
Planos, encuadres, técnicas creativas…
¿Es Martin Scorsese uno de los grandes directores de cine del planeta? Pues aunque todo sea muy subjetivo, podríamos dejar bastante claro que si. Y uno de los ejemplos es esta película, una de las tres mejores películas que ha hecho pasado el año dos mil que lo demuestran (junto con Shutter Island y El Aviador, y veremos Sinatra en qué queda).
En Gangs of New York, Scorsese sabe que esta contando una historia basada en un guión original el cual es muy muy descriptivo, y el que el incluso quiso llevar a más. La descripción siempre suele albergar algo muy importante, y es encuadrar en donde se realizan las acciones, y esto es algo que no sólo hace fenomenal sino que encima lo realiza de una manera soberbia. El llevar un plano general a un plano medio o plano corto, mediante un paneo sin cortes (y vicerserva), en el que juega con el movimiento de los actores es sencillamente exquisito. La estructuración de planos ya no sólo corre a cargo del movimiento de la cámara, sino que la asocia al movimiento global de toda la escena, y es que sólo les falta moverse a los edificios también para que todo fuera en sintonía.
La asociación de objetos y personas, o de acciones con ellas, también se hace, en muchas ocasiones, mediante paneos rápidos y en mismo plano, lo que da mucha más continuidad a una película que en muchos momentos se puede hacer algo pesada. Una de las mejores formas en las que hacer llamar la atención del espectador en los instantes importantes, es la la sucesión de planos de una misma escena de forma rápida a ritmo de saltos como si de un zoom se tratara.
Este film es como una gran obra de teatro, y los planos cenitales y nadir la hacen aún más si cabe sentirnos delante de la pantalla, como si un teatro se posicionara ante nosotros.
Pero si algó dentro de este apartado hace a esta película grande muy grande para la inspiración de cualquier fotografo, es lo perfecta selección de composición elegida para todas las tomas. Ver Gangs of New York es una forma de inspiración total para un fotógrafo callejero. En esta película Martin Scorsese se convirtio en un Weston o una Dorothea Lange de la época. Sin duda una delicia observar lo bien “reflejada” que está la sociedad de ese instante (según el guión original por supuesto).
En definitiva, una cinta que nos deja ver como Martin Scorsese es capaz de amoldarse a los diferentes guiones que tiene entre las manos, y siempre consigue darle un toque personal con el cual destacar, como bien pudimos ver en el analisis que hicimos de Taxi Driver.
Iluminación
Michael Ballhaus tenia un encargo, y no era otro que darle un aire épico histórico a la luz, pero sobre todo que tuviera mucha teatralidad, y así fue como lo hizo. La verdad es que a mi parecer es una película tremendamente difícil de iluminar, y de planificar. Al igual que como vimos en El Último Emperador, hay mucha escenografía real y esto complica enormemente la labor de iluminar, pero gracias a los contrastes entre interiores y exteriores le fue mucho más sencillo.
En general podríamos decir que toda la luz es una luz fuerte y contrastada en los interiores, mientras que se juega con la frialdad del momento en los exteriores diurnos con una luz más suave, pero en general hay que dejar claro que reina la luz cálida, amarillos, rojos, marrones… todo para dar aún mas sensación a los espectadores que nos encontramos ante un momento tumultuoso, en el que la paz y el sosiego es claramente impredecible. Otra cosa que ayudó a evocar todo esto es la ausencia de luz blanca dentro de los espacios cerrados, ya que o en algunos lugares no llegaba (por ser algo muy novedoso y sólo los ricos podían disponer de ella), o por ser las bombillas de un tono demasiado cálido.
Aparte de la luz interior, que muchas veces resulta tremendamente cargante y asfixiante, el uso de humo realza aún mas si cabe la dureza de algunas tomas, incluso ayudando mucho más a dar ese aire teatral que os comenté. El rebote de luces, también marcan los contraluces para despegar un poco a los personajes del fondo, aunque la diferencia de iluminaciones entre personajes y entorno ya es suficientemente buena para conseguir este efecto.
Sin duda, una iluminación bastante cargante y que a mi modo de ver algunas veces confunde en exceso, pero que tambien gracias a esto la hace más natural si cabe. Un lujo para la vista, a pesar de que no consiguiera un premio.
Y como todas las semanas os presento un par de curiosidades sobre la cinta. La primera de todas, es que el proyecto para rodarla empezó en 1977 y de hecho el productor Alberto Grimaldi la anunció ese año como una película en preparación. Pero bueno por el altísimo presupuesto que necesitaba no se estrenó hasta 2002. Y como segunda curiosidad, comentaros que salen algunas imágenes actuales de New York que el director rodó antes de trasladar el proyecto a Roma. Un par de años después con el estreno de la película decidió dejarlas a pesar de que salieran las Torres Gemelas, ya que todos los personajes que aparecen en su cinta lucharon y murieron por construir la ciudad y no por destruirla.
Posiblemente esta es una de esas películas que hay mucha gente que no habrá visto, o habrá oído hablar de ella. Debo reconocer que para algunas personas puede parecer larga y algo monótona, pero si consigues meterme bien en la historia y ademas de eso decides ver el fantástico trabajo de Scorsese, conseguirás que las dos horas y media de película te resultan más que bien invertidas. Además es una película que consiguió diez nominaciones a los Oscars, y no se llevó ninguna a pesar de que para mi Daniel Day-Lewis se mereciera el premio al mejor actor.
Como todas las semanas os recuerdo, que podéis visitar todas las demás películas analizadas en Inspiración cinematográfica, y espero que el mes que viene podamos seguir compartiendo estos tips de inspiración en el cine, al igual que espero vuestras sugerencias, dudas y demás.
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