Cuando hablamos de cine nos vienen a la mente guionistas, actores, directores de fotografía... Pocas veces asociamos con el séptimo arte a los fotógrafos, pese a tener hoy día un papel fundamental en la promoción de los filmes. Hablamos con José Haro, fotógrafo especializado en posters de películas y documentación de filmes nacionales, sobre las particularidades de su oficio.
Muchas veces no nos damos cuenta que alrededor de una película, más allá del propio filme, hay una labor fotográfica importante. Fotografías del rodaje que se usan para la promoción, muchos retratos de estudio y el indispensable poster del filme, que en la casi totalidad de los casos, se basa en una fotografía.
¿Cuáles suelen ser tus principales cometidos cuando trabajas en película?
Estas fotografías tienen como objeto promocionar la película, básicamente pueden ser dos tipos de trabajo. Por un lado fotos del rodaje, de las escenas, del director y los actores, del equipo trabajando, una especie de making of fotográfico que supone hacer una memoria visual del rodaje. Y por otro retratos promocionales de los personajes (y a veces también de los actores no caracterizados como personajes) para usos de prensa y poster de la película. Ambos trabajos tienen poco que ver entre sí, son completamente independientes, y pueden ser realizados por dos fotógrafos diferentes o por uno solo.
Personalmente prefiero el trabajo de retrato, que es lo que más me interesa en fotografía, me parece fascinante el hecho de representar la impresión que me produce una persona con la intención de que perdure en el tiempo, el tipo de conexión que entablas con esa persona, como entre los dos vamos descubriendo algo. Me parece lo más mágico de mi trabajo.
Los carteles de las películas están basados en fotografías, pero la imagen que se captura deja de pertenecer al fotógrafo para formar parte de un equipo creativo que la integra en complejos montajes donde los trabajos de luces, color y la tipografía tiene un gran peso. A la hora de trabajar en la fotografía del cartel de un filme, ¿cómo te gestionas?
El cartel de una película es un trabajo publicitario en la mayor parte de los casos, por tanto, si éste está bien planteado, se estructura a través de una (o varias) ideas iniciales, unos bocetos que hay que tratar de seguir lo más fielmente posible, puesto que son la puesta en papel de las conceptos de los creativos, y toda un equipo de personas trabajando para llevar a la realidad esa idea inicial.
El proceso se podría resumir en:
1.- Hay unos productores que tienen muy clara la película que quieren hacer y donde quieren posicionarla.
2.- Un director de marketing que establece las estrategias para llegar al público potencial de la película, generalmente se trabaja con referencias de otras películas.
3.- Un diseñador gráfico que sintetiza estas ideas y estrategias y las cristaliza en unos bocetos.
4.- Un fotógrafo que gestiona fotográficamente estos bocetos, y trata de sacar lo máximo de los personajes y las situaciones.
5.- El diseñador trabaja en las opciones de póster ya con todos los elementos (fotos, tipografías,..)
6.- De nuevo los productores y el director de marketing, con la película ya terminada, vuelven a analizar que póster de las opciones previamente realizadas cumple mejor con sus objetivos.
Hay carteles que surgen de otro modo, no hay unas idea previas bien definidas, si no que se deja trabajar al fotógrafo en rodaje, y el cartel se hace a partir de sus imágenes. De este modo se hicieron los carteles de La Piel que Habito, Celda 211, Lo Imposible o Alatriste.
No cabe duda que los carteles de las películas están trabajados al milímetro, y que todo lo que se incluye posee una razón. El color es uno de los elementos de más peso, habiéndose dado en los últimos años (y quedando aun resquicios) de un abuso de naranjas y azules en gran cantidad de carteles. ¿A qué se debe?, ¿Qué tendencias crees que se están dando ahora en los carteles cinematográficos?
La verdad es que no te puedo decir, yo mismo no soy consciente de esta sobre utilización de naranjas y azules de la que me hablas. Lo cierto es que el color es un elemento de comunicación muy potente, y que dependiendo de que gama se utilice, casi inconscientemente, percibiremos la película de uno u otro modo.
Un ejemplo. Si el productor hace una comedia romántica y la persona que mira el cartel de la película lo percibe como una comedia romántica, semejante a otras comedias románticas que pueda tener en su imaginación haciéndole que tenga interés por la película en cuestión, en mi opinión el trabajo está bien hecho y el poster cumple su objetivo.
Cuando una gran producción invierte gran cantidad de presupuesto en un actor de tirón comercial, está claro que va a copar la portada del póster de la película. ¿Hechas en falta cierta innovación en los posters de películas? ¿Hay algún autor, estilo o estudio que te gustaría señalar como referente?
No siempre es así, pero si, claro, el gran público sigue viendo películas con un gran interés por los actores. Como te decía anteriormente, el objetivo principal de un póster es hacer la película apetecible a un público potencial. Si una de las fortalezas de una película es el casting, es lógico que esté muy presente en el póster.
En cuanto a la falta de innovación, creo que no se ciñe solo a los posters de las películas, si no que se extiende a todo el cine en general, creo que nunca como ahora se han hecho tantas segundas, terceras y cuartas partes de películas. Si hay algo que funciona se continúa y no se innova demasiado, y esto es extensible a toda la industria.
En España hay gente trabajando al más alto nivel, merece la pena seguir el trabajo de Juan Gatti, y de los estudios USER T38, Barfutura y Agencia Sopa.
¿Echas en falta carteles de corte más clásico que se basaban en tipografía y diseño como los de Saul Blass?
Los carteles de Saul Blass me gustan mucho, estéticamente son bonitos y comunican bien. Pero hay que ceñirlos a su tiempo, dentro de una época donde los carteles muy gráficos a 2 tintas eran lo último. Hoy en día su influencia sigue viéndose de alguna manera en películas como The Backwoods o Magical Girl, pero más como inspiración retro. Otro peso pesado es Drew Struzan.
Cuando no estás dentro de un plató de rodaje, desarrollas proyectos personales de tintes documentales. Tu último trabajo ha sido el libro El Sueño de Andrómina. ¿Podrías contarnos en qué consiste?
La verdad es que con los años he ido haciendo cada vez menos rodajes y ahora mismo estoy centrado en el retrato y en proyectos personales, aunque el mundo del cine sigue estando muy presente en ambos campos.
Hablando de lo primero, hago retrato editorial de actores para diferentes medios, uno de los últimos trabajos han sido los retratos en el backstage de los premios Goya para la Academia de Cine e Instagram.
En cuanto a los proyectos personales, El Sueño de Andrómina es un trabajo de fotografía y vídeo que bucea en las atmósferas, las sensaciones y las emociones que conforman e inspiran la creación cinematográfica. Andrómina, aunque evoca a una constelación, significa embuste o mentira, por tanto están presentes dos de los elementos fundamentales del cine, sueños y ficción. Se trata de un viaje intimista por los universos de diferentes cineastas realizado a fuego lento a lo largo de más de diez años, donde realidad e invención se entrelazan constantemente y forman el sueño mágico del cine.
Se expuso en el Museo de Valencia de la Ilustración y la Modernidad el año pasado y ahora va a comenzar su itinerancia por varios museos.
Web oficial | Jose Haro Photographer
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